因为有这样的艺术要求，所以，油画创作的技法相比国画要丰富很多，总共有10多种技法，经常使用的有这么几种。众所周知，油画起源于西方，西方油画得以传入中国，一者，刘海粟、林风眠、徐悲鸿等大师功不可没；二者，一批学堂开设绘画专业，为中国培养了一批油画人才。
什么是油画艺术语言的表现技巧？
油画作为典型的视觉艺术，在600余年的发展历史中，形成了相当完善的艺术语言和表现技巧，其语言表现技巧包含的要素非常多，主要有造型、色彩、笔触、线条、光影、肌理、质感、空间、构图，等等。下面，我一一进行介绍。德拉波《飞鱼》造型就是根据画家的想法塑造出来的具体的、理想的审美形象，让观者看之有物，能引发观者的想象。
在所有视觉艺术，如绘画、雕塑、戏剧、电影中，造型是最重要的语言技巧。在油画中，造型以精准、符合实际比例结构为原则，也就是说，画什么要像什么，不能把牛画成羊。雷诺阿《斜卧的姑娘》色彩就是给审美形象上设置的颜色，原则是要符合物象固有的自然色。如，成熟的苹果是红彤彤的色彩，总不能把熟苹果涂成粉色或橙色，那样就失真了。
笔触就是画笔在画布上运行的轨迹，是表现画家情感的重要方式。感情奔放，喜欢表现热烈的、感性的场景，常常使用比较粗犷的笔触。表现理性、冷静的物象，则适合用纤细的笔触，画面看起来光滑润泽，很少看到油彩颗粒。鲁本斯《化妆的维纳斯》线条是造型的重要辅助手段，是勾勒外形轮廓必不可少的元素。无论是油画还是国画，都要用线条来造型。
同样，在用线条造型时，要求线条要平滑流畅，让人看着舒服。光影是油画特有的元素，是光源照射在物象上时，体现物象上不同部位的明暗关系，从而可以增加立体感效果。光能照射到的地方是明亮的，灿烂的，照不到的地方在出现阴影。肌理是指物象表面上凹凸不平、纵横交错的纹路，它是物象质感的直接流露。世界上每个物象都有肌理，代表了不同物象的特有特征。
比如，人的皮肤上就有细小的纹理，如果在画画中能把这些纹理刻画出来，可以有效增加生动性。石头表面、树皮上都有与众不同的肌理，正是这些肌理，让物象自带有独特的审美趣味。空间就是画面中各个物象前后、左右、上下、远近之间的关系，处理好空间关系，能很好地表现出画面的层次关系。拉斐尔《圣母子》构图就是排列画面的章法，在具体实施过程中，完全可以根据个人审美理想来自由取舍，或者增加一些物象，或者减去一些物象都可以。
令人称心如意的油画艺术作品，有什么特征呢？
作为视觉艺术的油画，其语言的表现技巧是丰富多彩的。构图、造型、表情、光线、线条、笔触、肌肤等的运用。称心如意的油画艺术至少有如下特征：一、构图应有一个强大的焦点，不管焦点是如何创造出来，其目的是吸引观众，也是画作的动力所在。二、色彩是关键，色彩的选择以及色彩之间如何建立通道可使一幅画平静或充满活力。三、笔触的变化，许多伟大的绘画中，画面是真实的，笔触清晰可見，如芃高，费钦等艺术大师的作品。
国画讲究的是皴擦点染，那么油画有哪些技法？
国画偏重写意，对造型结构和立体感效果的要求不是那么严格，在画面中主要传达一种趣味和神韵，又由于宣纸吸水性很强，渍化效果好，能较快形成墨韵，因此，在具体技法运用上，皴擦点染完全能表现出国画韵味的要求。提香《花神》但油画不同，油画是13世纪末期，从蛋彩画的基础上改进后而来，在形成之初，油画就模仿古希腊古罗马时期写实性和立体感极强的雕塑来创作，之后又参照现实中的人物和静物来创作，并追求客观的真实性，这就给油画设立了一个标准，那就是：以形传神，追求逼真的写实性和强烈的立体感，是油画的核心。
因为有这样的艺术要求，所以，油画创作的技法相比国画要丰富很多，总共有10多种技法，经常使用的有这么几种。弗洛伊德《傻笑的女孩》一，线线在古典油画中，是一种非常重要的造型手段，实际上，跟中国画里的线条勾勒造型没有多大区别。早期的油画家在创作时，首先要画好底稿，就必须先用纤细的线条来勾勒出造型，然后才画。
从后印象派之后的油画创作中，线条的作用更明显，是因为油画吸收了东方绘画的线性语言，突出了油画的写意性，对线条的依赖更加明显，像莫奈、梵高、马蒂斯、毕加索等大师，都喜欢用形态不同的线条来造型。鲁本斯《化妆的维纳斯》二，挫挫是油画染色的一种方法，与国画中的皴法有些类似，都是平握着画笔，用逆锋的方式运笔，运笔有轻有重，有快有慢，因为笔根和笔尖蘸取颜料的多少不一样，染色时就能体现出富于肌理效果和变化多端的色差。
雷诺阿《船上的午宴》三、拍拍是一种染色方法，是用平头画笔蘸取颜料后，在画面上有节奏的拍打，从而形成深浅不一的色调。拍能有效衬托画面的肌理效果，还能补救一些败笔，比如，画面有些地方色彩和笔触过于显眼的话，就用拍的技法来遮盖。蒙克《生命之舞》四、扫油画里边常常不止一个色块，如果两个色块之间的色调差异过大的话，看起来会不和谐，这时，就需要用“扫”这种技法把它们衔接起来，让它们看起来自然一点。
同时，扫还能抹平色块上过于明显的笔触痕迹。梵高《岩石》五、涂涂在油画中非常重要，是产生色块的技法，如同放大版的挫法。在表达不同韵味上，有薄涂、平涂和厚涂三种方法，薄涂是用调色油把颜料稀释后涂抹在画布上，看起来是半透明状的。平涂就是均匀涂抹，画面上看不到较为明显的颜料厚度，像古典油画常用这种涂法。厚涂就是要在画布上能看到颜料的堆积感和体积感，像梵高喜欢用这种涂法。
请畅所欲言，中国油画和西方油画的表现技法有什么不一样？
橘生淮南则为橘，橘生淮北则为枳。这句话用来说明中国油画与西方油画的区别，也许不太准确，但却揭示了一些内在的东西。众所周知，油画起源于西方，西方油画得以传入中国，一者，刘海粟、林风眠、徐悲鸿等大师功不可没；二者，一批学堂开设绘画专业，为中国培养了一批油画人才。由此可见，中国油画的技法是学习西方油画的，虽然近现代一些油画家对西方油画的技法作了改良，但也是零敲碎打，并不系统；不客气地说，中国的油画虽然在模仿西方，但由于各方面的原因，模仿得又有些断章取义、不论不类。
一、西方油画多表现宗教题材；而中国油画对宗教题材表现得则很少。西方油画的兴起，从某种意义上说，是在反对宗教神权和宗教禁锢的历史背景下发展起来。这方面的著名油画很多。如维纳斯系列；夏娃亚当系列；达.芬奇的《最后的晚餐》；歌德·莱尼 《圣塞巴斯蒂安》等等。而自从上个世纪末，油画引进中国以来，人们对神权的敬畏，招致很多油画家不敢去触碰这一题材。
二、 中国油画题材单一。 中国油画中模仿作品多，静态作品多；历史题材少，民族题材少，宗教题材少，政治题材更少，关注民生的题材则少之又少。随意作品多，模特往那一站，临摹下来活生生一个明星摆拍照，毫无社会意义和艺术价值。或者随意找个女模特往那一躺，只追求逼真，却不追求其艺术含义和社会价值，画人体画多从市场因素考虑，难免低俗。
三、中国油画技法单调。中国油画技法单调，直接画法为主，细节的打磨上给人以繁杂堆砌的感觉，对西方油画的透明色、半透明色和不透明色领悟得不够，画人物只注重像不像，对人体学、解剖学钻研得不深，油画作品多为一张“水粉长期”作业罢了。总之，中国油画的一些作品，题材单一，技法缺憾明显，不注重追求油画的人文精神，却对市场的铜臭味趋之若鹜。
如何看待西方画家苏巴朗以现实主义表现手法描绘女人的油画？
苏巴朗，十七世纪西班牙画家。出生于农民家庭的苏巴朗家境贫寒，幼年时便在乡村放羊，但他从小就喜欢画画，并且天赋极高。于是父亲便让他去拜师学艺，先学的木雕，后来开始学油画。苏巴朗的画风是质朴的，这源于他一直生活在乡村，他不喜欢城市的喧闹，就连艺术之都意大利对他也没有吸引力，在那个寂静的西班牙小镇，他沉浸在自己的艺术世界里，就这样度过了一生。
苏巴朗的人物画大多表现宗教方面的题材，经常为教堂和修道院作画，他的宗教画有着朴实的现实主义的倾向，庄严、平静。苏巴朗作品中的女性形象人物造型强调立体感，明暗对比强烈，色调庄重而和谐，没有传统宗教所表现的神秘感，仿佛是现实中真实的存在。除了对女性人物本色的细致刻画，苏巴朗还善于通过织物的处理来表现人物的动感，仔细看以上几幅画你会有所体会。
为什么有些西方画家喜欢用拟人的表现手法，来描绘油画作品？
你好亲，很开心回答你的问题个人拙见，画家表现拟人化，还是作家写文章表现拟人化，是借物抒情，或者托物言志对于拟人化，托物言志，借景抒情，借物抒情，通常体现在中国画的创作中比如明代画家陈洪绶的作品《荷花鸳鸯图》，画中的荷花，其俯仰截掩的姿态，拟人化地完美衬托人间君子“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的人格品质那么对于西方油画而言，个人拙见，通常体现在静物画中对于人物油画而言，画家是直接通过人物，直接表达人物的精神状态，精神气质，性格所以，画家以静物托物言志，借物抒情，才能含蓄，象征地表达拟人化的思想个人拙见，梵高的静物油画，《靴子》系列油画，充分地表现了油画中拟人化的思想内涵梵高画笔下的靴子静物油画，梵高画静物靴子，画了系列梵高画笔下的靴子，呈现千姿百态的形态，变形的，磨破鞋底的，皱巴巴的，画家采用苍劲，扑拙的笔触，把靴子营造成沧桑的视觉观感梵高的艺术道路，走得很艰辛，孤独，只有弟弟在支持他的艺术道路，无人理解梵高的油画艺术当梵高的油画艺术被世人认可时，一切荣誉和财富都和梵高无关画笔下的靴子静物系列，仿佛是画家象征自己是朝圣者，靴子正是朝圣者的鞋子，在艰难，孤独的路途中跋涉，最终内心被磨成了皱巴巴，历经沧桑，磨平棱角的心态，但是唯一不灭的是，对艺术疯狂炽热的执着和热爱。
